Todavía son válidas las reglas básicas de montaje?

Escrito por neil Robert en Redshark y forscene blog (ahora blackbird).

El proceso de edición ha progresado desde el corte y empalme físico de la película hasta las infinitas posibilidades de la edición no lineal por ordenador, pero el objetivo del montador sigue siendo el mismo: contar una historia, dar vida a la visión del director y cautivar al público.

Los primeros montajes se hicieron accidentalmente, parar y comenzar la película en la cámara creó cortes entre planos y algunos de ellos funcionaron. Los primeros pioneros de la era del cine mudo como D. W. Griffiths experimentaron con el montaje. Introduciendo conceptos como primeros planos, tomas de reacción y acción paralela. Su película “El nacimiento de una nación” es considerada un hito en la historia del cine.

Gradualmente, la edición se convirtió en un lenguaje visual, al igual que el habla o la palabra escrita tiene su propia gramática y reglas. Algunas de esas reglas fueron codificadas por Edward Dmytryk, un director y editor de Hollywood de los años 50, en su libro “On Film Editing”. Walter Murch, editor ganador del Oscar de Apocalypse Now, El Padrino y El Paciente Inglés también escribió un libro sobre edición llamado “blink of an eye” “En un abrir y cerrar de ojos”.

Las reglas básicas de la edición se pueden desglosar de la siguiente manera:

1. Los cortes deben ser fluidos, de modo que cada toma pase a la siguiente sin llamar la atención sobre el hecho de que se ha producido un corte. Hay un momento en cada toma en el que el espectador quiere ver algo más; una mirada de un actor puede llevar el corte a lo que está mirando.

2. Los cortes deben ocurrir en un punto lógico de la toma y deben mantener la continuidad. Normalmente, la historia progresa en orden cronológico y la edición debe reflejar eso.

3. Los cortes en la acción pueden crear la ilusión de un movimiento continuo. Por ejemplo, un personaje alcanza una manilla de una puerta en una toma amplia y el corte al primer plano de la mano que agarra la manilla ocurre durante el movimiento.

4. El sentido de la dirección de la pantalla debe mantenerse, también conocido como “Cruzar la línea”. Cuando se editan dos personajes en una conversación, si se imagina una línea invisible entre ellos, no se debe hacer que la cámara cruce la línea en la edición. Esto significa que el personaje de la izquierda de la toma siempre estará mirando a la derecha de la pantalla y el personaje de la derecha siempre estará mirando a la izquierda de la pantalla. De esta manera el público entiende la relación entre los personajes y no se confunde sobre quién habla con quién.

5. Se deben utilizar diferentes tipos de tomas -ancha, media, primer plano- para guiar la atención del espectador. Es común comenzar con una toma amplia para establecer la escena y luego acercarse más, pero a veces se puede querer comenzar con un primer plano y luego revelar más de la escena.

6. El ritmo de las tomas debe ser usado para crear humor o tensión. La velocidad de la edición y el ritmo de los cortes pueden dar ritmo y un cierto tono a la secuencia.

7. La duración de la toma está determinada por la cantidad de información que contiene la toma, y una vez que ha cumplido su propósito, no debes de aguantar durante más tiempo ese plano. Una toma de un vaso sobre una mesa no mantendrá la atención del espectador por mucho tiempo, una toma amplia de un carnaval con cientos de personas moviéndose a través de la toma puede mantener su atención por mucho más tiempo.

Por supuesto que cada una de estas “reglas” puede romperse y en muchos casos el montaje funciona incluso cuando estas reglas se rompen. Stanley Kubrick solía cruzar la línea para crear un sentimiento de inquietud en El resplandor, y Christopher Nolan creó Memento para contar la historia con la estructura al revés.

Hoy en día, la edición es accesible a casi todo el mundo y muchas de las piezas que se suben a YouTube o Vimeo han sido editadas por aquellos que no tienen una formación formal en edición y por lo tanto nunca se les han enseñado estas reglas. Sin embargo, todavía se las arreglan para hacer una visualización convincente (¡en muchos casos!).

De la misma manera que los bebés aprenden a hablar copiando a sus padres, los jóvenes cineastas de hoy en día han crecido viendo películas, televisión, videos pop y YouTube. Han aprendido cómo funciona la edición por ósmosis y ahora tienen las herramientas para poder rodar y editar sus propias películas. Rompen las reglas pero de la misma manera que los idiomas hablados evolucionan con nuevas palabras y creando su propia jerga, también lo hacen los nuevos estilos de edición donde las viejas reglas no son válidas. La forma en que se edita un video de skateboarding rodado en GoPro será completamente diferente a la de un cortometraje rodado en una Canon 5D.

Creo que una cosa que el aprendizaje de las reglas de edición nos enseña es que hay que empezar a pensar en la edición antes del rodaje. Bloquear las escenas y decidir dónde vas a poner la cámara en relación con el sujeto tendrá un efecto en la composición de tus tomas, lo que a su vez afecta a tus posibilidades de edición.

Si planificas el rodaje con precisión, rodarás menos y el montaje será más sencillo. Es mucho más fácil planificar el rodaje de algunos cortes en el lugar que tratar de cubrir los cortes de salto en la edición.

Los cortes de salto en las entrevistas son un ejemplo de ello. Ahora es fácil cortar una entrevista en términos de audio para que el sujeto diga exactamente lo que quieres, pero cubrir esos cortes con cortes o B-Roll sólo es posible si lo tienes. Se está volviendo algo muy común que las entrevistas se dejen con cortes de salto en su lugar, lo que al menos es honesto sobre cómo se ha editado la pieza pero al mismo tiempo es visualmente impactante y distrae de lo que se está diciendo.

En el NAB de 2016, Adobe anunció una nueva característica para Premiere Pro: el ‘Morph Cut’. Esta herramienta analizará las tomas de los dos planos que se van a unir y rastreará las características del sujeto, permitiéndole crear cuadros intermedios para unir las dos tomas sin problemas, ocultando así el corte. No estoy seguro de si esto es algo bueno o no, ya que no podremos confiar en lo que alguien dice en cámara, ya que el editor podría haber cambiado completamente su significado.

¿Qué opinas? ¿Siguen siendo útiles las reglas de montaje? ¿Necesitas conocer las reglas de edición para saber cuándo romperlas? Házmelo saber en los comentarios.

Te dejo con una cita de Martin Walsh, editor en Chicago y V de Vendetta:

“No aceptes que haya reglas. En la edición, el objetivo es desafiar todas las convenciones”.

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